Portreti
15. gadsimta zīmēti portreti - piemēram, Pisanello vai Jan van Eyck - var tikt uzskatīti par pabeigtiem attēlu darbiem to koncentrēšanā, izpildē un telpas sadalījumā. Skaidrs, smalki iezīmēts attēlojums seko visām virsmas detaļām, tiecoties pēc reālisma. Priekšroka tiek dota profilam, kas ir bagāts ar detaļām; kas atgādina atvieglojumu, tas ir līdzīgs medaljonam. Tuvākā profila uzmanības centrā izvirzījās trīs ceturtdaļu profils ar tā telpiskāko efektu, lai gadsimtiem ilgi paliktu klasiskā portreta pozīcijā.
Ciešā saistība ar glezniecību attiecas uz praktiski visiem 15. gadsimta portretu zīmējumiem. Pat tik spēcīgs darbs, kā Dīrera imperatora Maksimilija zīmējums radās kā gleznas portreta pētījums. Tomēr tajā pašā laikā daži Dīrera portretu zīmējumi skaidri atspoguļo mākslinieciskā uzņēmuma pēdējo posmu - ambivalenci, ko var novērot arī citi 16. gadsimta portretisti. Žana un Fransuā Kloates darbi Francijā un jaunākā Hansa Holbeina darbi Šveicē un vēl izteiktāk Anglijā tajā pašā gadsimtā piešķīra autonomiju portretu zīmēšanai, it īpaši, ja zīmējums tika pabeigts ar dažādu krāsu krītu. Mīkstāka materiāla izvēle, kontūrēšana, kas visam tā precizitātei ir mazāk smagi pašpietiekama, un smalkāks interjera zīmējums ar plaknes elementiem piešķir šiem zīmējumiem dzīvāku, personiskāku raksturu un vēlreiz uzsver to tuvumu glezniecībai.
Polihromatiskā krīta tehnikā un pastelī portretu zīmējums saglabāja savu neatkarību 19. gadsimtā. 18. gadsimtā Quentin de La Tour, François Boucher un Jean-Baptiste Chardin - visi šie mākslinieki no Francijas - bija galvenie praktizētāji, un pat Ingres, kas dzīvoja 19. gadsimtā, joprojām izmantoja savu tehniku. Pastelglezniecībā portrets atsvēra visus pārējos priekšmetus.
Pozas, veida un izpildījuma izvēlē portretu gleznošanu, tāpat kā citas mākslas formas, ietekmē laikmeta vispārīgās stilistiskās iezīmes. Tādējādi vēlīnā baroka un rokoko ekstrēmi gleznieciskajai attieksmei sekoja neoklasicisma laikā izteiktāka koncepcija, kas deva priekšroku vienkrāsainiem paņēmieniem un kultivēja arī silueta īpašo formu - profila kontūras zīmējumu ar melnā krāsā aizpildītu laukumu. Viennozīmīgi parādoties saviem 15. gadsimta priekšgājējiem, 19. gadsimta sākuma portretu zīmējumu veidotāji vēlreiz izvirzīja precīzu detaļu un plastisko efektu pārsūtīšanu, kas gūti, izmantojot visrūpīgāk izvēlētos grafiskos nesējus: plānais, cietais zīmulis bija viņu iecienītākais instruments, un arī sudraba punktu no jauna atklāja romantika.
19. un 20. gadsimta beigu autori, vairāk interesējušies par portretu psiholoģiskajiem aspektiem, deva priekšroku mīkstākiem krītiņiem, kas viegli seko katram mākslinieciskajam impulsam. Raksturīgo elementu sagrābšana un atbilstoša plaknes pārsūtīšana tiem bija svarīgāka nekā reālistiska detaļa. Garastāvokļa elementi, intelektuālā spriedze un personiskā iesaiste ir tipiskas mūsdienu portreta iezīmes, tātad arī mūsdienu portreta zīmējums - māksla, kas turpina dokumentēt mākslinieka personīgo meistarību, pārsniedzot dažādu paņēmienu iezīmes.
Ainavas
Arī ainavu zīmējumi jau 15. gadsimtā bija ieguvuši pietiekamu autonomiju, tāpēc ir grūti atšķirt pabeigto pētījumu par konkrētās gleznas fonu un neatkarīgu, patstāvīgu, ieskicētu ainavu. Jau Jacopo Bellini 15. gadsimta skiču grāmatās (saglabātas albumos Britu muzejā un Luvrā) ir cieša saikne starp dabas izpēti un attēla struktūru; Titānijas studijā 16. gadsimtā ainavas skices bija jāizvieto kā ieteikumi attēla fonam.
Bet tieši Dīrers izstrādāja ainavu kā atcerētu tēlu un autonomu mākslas darbu, īsi sakot, kā savu tēmu, neatsaucoties uz citiem darbiem. Viņa akvareļi galvenokārt, bet arī viņa divu ceļojumu itāliešu, Nirnbergas apkārtnes un ceļojuma uz Nīderlandi zīmējumi ir agrīnie tīri ainavu zīmējumi. Bija jāpaiet gadsimtiem, pirms šādi zīmējumi atkal parādījās šajā absolūtajā formulējumā.
Ainavas elementi bija ļoti nozīmīgi arī 16. gadsimta vācu un holandiešu zīmējumos un ilustrācijās. Tēlainais attēlojums, kas vairumā gadījumu joprojām pastāv, formāli ir diezgan integrēts romantiskajā mežu un pļavu ainavā, īpaši Donavas skolas darbos, piemēram, Albrehta Altdorfera un Vilka Hubera darbos. Biežāk nekā citās skolās šeit atrodams rūpīgi izpildīts dabas skats. Nīderlandē Pīters Brūgels zīmēja topogrāfiskus skatus, kā arī brīvas ainavas kompozīcijas, abos gadījumos kā autonomus darbus.
17. gadsimtā dabas pētījums un ainavas zīmējums, kas no tā izauga, sasniedza jaunu augstumu. Accademia degli Incamminati (piemēram, Domeničīno) ainavu zīmējumi apvienoja klasiskās un mitoloģiskās tēmas ar varonīgajām ainavām. Romā dzīvojošais francūzis Klods Lorrains bieži strādāja zem klajas debess, veidojot ainavas zīmējumus ar līdz šim nepieredzētu atmosfēras kvalitāti. Šis kultivētās un idealizētās ainavas tips, ko attēloja arī Poussins un citi Romā dzīvojošie ziemeļnieki (viņus sauca par holandiešu romanistiem, ņemot vērā faktu, ka Romā dzīvoja tik daudz mākslinieku no Nīderlandes, viņu zīmējumi par Itāliju sasniedz gandrīz ēterisku kvalitāti)., ir pretstatā neheroiskajai, dabai pietuvinātai ainavas koncepcijai, kuru galvenokārt pārstāv nīderlandieši, attēlojot savas dzimtenes ainavu. Visi ainavu gleznotāji - viņu ainavu gleznojumi, kas bija īpaši pārstāvēti mākslinieciski specializētajās zemākajās valstīs - izveidoja arī neatkarīgus ainavu zīmējumus (piemēram, Jans van Gojens un Jēkabs van Ruisdaels un viņa tēvocis un brālēns), un Rembrants atkal ieņēma īpašu amatu.: iemūžinot reģiona raksturīgās pazīmes, bieži izmantojot tikai dažus sitienus, viņš tos uzlaboja tā, lai tie iegūtu monumentālu izteiksmīgu spēku pat vismazākajā formātā. 18. gadsimta Itālijā topogrāfiski uzticams ainavu zīmējums kļuva nozīmīgs, līdz ar Vedutisti parādīšanos, “uzskatu ieguvējiem”, kas paši izveidoja grupu (starp tām bija Giambattista Piranesi un Canaletto [Giovanni Antonio Canal]) un bieži strādāja ar tādiem optiskiem palīglīdzekļiem kā rāmis un kameras aizsprosts. Ainavu zīmējumi ar lielāku māksliniecisko brīvību, kā arī iedomātas ainavas visveiksmīgāk taisa daži franču mākslinieki, to skaitā Huberts Roberts; attēlu un atmosfēras izteiksmē šīs tēmas otro reizi uzziedēja tādu angļu mākslinieku kā Tērners un Aleksandrs Kozenss gleznojumos, kas gleznoti otu zīmē, kuru ietekme sniedzas pat 20. gadsimtā.
Ņemot vērā viņu lielo interesi par norobežošanu, neoklasicisma un, vēl jo vairāk, romantisma ideju sagatavotāji 18. gadsimtā novēroja dabu ar topogrāfisko precizitāti. Kā jauns “atklājums” romantiski un varonīgi pārspīlētā Alpu pasaule tagad mākslinieka prātā ieņēma savu vietu līdzās arkādes skatam uz Itālijas ainavu.
Ainavu zīmējumi un vēl jo vairāk, akvareļi, 19. gadsimtā veidoja neizsmeļamu tēmu. Starp galvenajiem ainavu zīmējumu veidotājiem bija franču mākslinieks Žans Baptiste-Kamille Korota un gadsimta beigās Cezanne un van Gogh. Ainavas bija daļa no daudzu 20. gadsimta izstrādātāju darba, taču lielu daļu gadsimta žanrs kā tāds ieguva otro vietu vispārējām formas problēmām, kurās tēma tika traktēta tikai kā izejas punkts. Tomēr 20. gadsimta pēdējos 30 gados liels skaits amerikāņu mākslinieku atgriezās reprezentācijā, tādējādi ieguldot ainavā kā priekšmetu.
Figūru kompozīcijas un klusās dabas
Salīdzinot ar autonomās zīmēšanas galvenajām tēmām - portretu un ainavu -, pārējām ir mazāka nozīme. Figūru kompozīcijas ir ļoti atkarīgas no sava laika glezniecības un bieži ir tieši saistītas ar to. Protams, bija mākslinieki, kuri savos zīmējumos apskatīja monumentālās glezniecības tēmas, piemēram, 17. gadsimta graviers un oforts Raimonds de La Fage; tomēr kopumā figūru kompozīcijas mākslinieciskais mērķis ir attēls, kura zīmējums ir tikai noderīgs palīglīdzeklis un ceļa stacija. Žanra ainas, īpaši populāras 17. gadsimta zemās valstīs (kā to izdarījuši, piemēram, Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade un Jan Steen, kā arī 18. gadsimtā Francijā un Anglijā), ieguva zināmu patstāvību. Arī 19. gadsimtā bija zīmējumi, kas stāstīja ikdienas dzīves stāstus; bieži vien ilustratīvi, tos var saukt par “maziem attēliem” ne tikai bieži vien krāsaino formātu dēļ, bet arī mākslinieciski izpildot.
Klusā daba var arī apgalvot, ka tā ir autonoma zīmēšana, it īpaši ziedu attēlojumi, piemēram, holandiešu mākslinieka Jana van Huisuma zīmējumi, kas ir populāri kopš 17. gadsimta. Šeit atkal ir taisnība, ka labi izstrādāts izkārtojums tūlītēju dabas pētījumu pārvērš attēla kompozīcijā. Dažās no šīm kompozīcijām ir ļoti liela līdzība ar glezniecību; piemēram, 19. un 20. gadsimta mākslinieka Odilona Redona pasteļi vai 20. gadsimta vācu ekspresionista Emīla Noldes darbi ar savu hromatisko intensitāti pilnīgi pārsniedz robežu starp zīmēšanu un gleznošanu. Klusajā dabā, tāpat kā ainavās, mūsdienu māksliniekiem svarīgāki ir autonomie formas principi nekā faktu paziņojums.
Fantastiski un nepārstāvēti zīmējumi
Zīmējumi ar iedomātām un izdomātām tēmām ir neatkarīgāki no ārējās realitātes. Sapņu parādīšanās, metamorfozes un atsevišķu realitātes līmeņu un reģionu iesiešana ir tradicionālās tēmas. Hieronīma Bosha 15. gadsimta beigu fantāzistiskie darbi ir agrīns piemērs. Šeit ir alegoriskas 16. gadsimta flāmu mākslinieka Pitera Bruegela zemnieku ainas un 17. gadsimta franču mākslinieka Žaka Callota karnevāla oforti. Citi, kuru darbi ilustrē to, ko var izdarīt ar zīmējumu ārpus ainavas un portretiem, ir: 18. gadsimta itāļu graviers Giambattista Piranesi, 18. gadsimta anglo-Šveices mākslinieks Henrijs Fuseli, 19. gadsimta angļu ilustrators Valters Krans, 19. gadsimta franču valoda Simbolists mākslinieks Gustavs Moreau un 20. gadsimta sirreālisti.
Nereprezentatīva māksla, samazinot zīmēšanas pamatelementus - punktu, līniju, plakni - tīrā formā, piedāvāja jaunus izaicinājumus. Atteikoties no asociatīvajām miesas un telpiskajām attiecībām, zīmējuma dimensiju un dažādu nesēju struktūras izvēršana iegūst jaunu nozīmi. Līnijas, kā arī neatzīmētā laukuma grafiskās īpašības tika uzsvērtas jau agrākos laikos, piemēram, Džuzepes Arcimboldo grotteschi 16. gadsimtā (cilvēku un dzīvnieku formu fantastiski vai fantastiski attēlojumi, kas bieži apvienoti ar viens otram un ir savstarpēji savienoti ar lapotņu, ziedu, augļu vai tamlīdzīgu attēlu attēliem) un kaligrāfiskos vingrinājumos, piemēram, moresques (stipri stilizēts lineārs ornaments, kas balstās uz lapām un ziediem), bet galvenokārt kā drukāšanas vai gravēšanas modeļi visneatšķirīgākajiem dekoratīvajiem uzdevumiem (interjera dekorēšana, mēbeles, trauki, rotaslietas, ieroči un tamlīdzīgi izstrādājumi).
