Rietumu mūzika

Kantāte un oratorija

Neapoliešu vadošie operu komponisti arī palīdzēja izveidot baroka laika madrigāles pēcteci - kantāti, kas radās kā laicīga solo balss forma ar instrumentālu pavadījumu. Džakomo Karissimi standartizēja šo formu kā īsu drāmu versā, kas sastāv no divām vai vairāk ārijām ar to iepriekšējiem rečitatīvajiem variantiem. Kantāti Francijā ieveda viens no Carissimi studentiem Marc-Antoine Charpentier; Louis Nicolas Clérambault turpināja tradīciju vēlā baroka periodā. Pazūdot stilistiskajai atšķirībai starp sakrālo un laicīgo mūziku, kantāte tika ātri pārveidota baznīcas vajadzībām, it īpaši Vācijā, kur tā kļuva par galveno luterāņu baznīcas dekoratīvo dievkalpojumu. Dietrich Buxtehude un Johann Kuhnau bija divi no galvenajiem šādu baznīcu kantātu komponistiem.

Kamēr jaunās koncerta tehnikas tika piemērotas jau zināmām baznīcas mūzikas formām, tādām kā mise, dievkalpojums, motīvs, himna un koris, parādījās jaunas formas, kas skaidri atšķīrās no renesanses stila un veida. Passion stāsta oratorija un uzstādījumi attīstījās vienlaikus ar operu un gandrīz identiskās līnijās, kas sastāvēja no rečitatīvām, ārijām, vokālajiem ansambļiem, instrumentālajiem starpposmiem un koriem. Emilio del Kavaljērs bija oratorijas “dibinātājs” ar savu La Rappresentazione di anima e di corpo (Dvēseles un ķermeņa attēlojums). Šis darbs, kas producēts Romā 1600. gadā, atšķirībā no patiesās oratorijas izmantoja aktierus un kostīmus. Carissimi un Alessandro Scarlatti bija galvenie itāļu baroka oratorijas komponisti, bet Heinrihs Šitcs, gan Džovanni Gabrieli, gan Monteverdi skolēns Venēcijā, bija vadošais 17. gadsimta vācu komponists šajā jomā.

Instrumentālā mūzika

Jaunās Le nuove musiche tehnikas bija dzirdamas instrumentu mūzikā, īpaši tagad, kad viņi piedalījās žanros, kas agrāk bija rakstīti nepavadītām balsīm (piemēram, motīvs). Instrumentālās mūzikas formas un nesēji būtībā nemainījās, bet ar ievērojami atšķirīgu uzsvaru. Piemēram, launa ātri zaudēja statusu, palielinoties klavesīnam kā visizplatītākajam instrumentam dramatisko iestudējumu turpinājumam. Ērģeles kā tradicionālais baznīcas instruments saglabāja savas pozīcijas un asimilēja jaunveidojamās formas.

Vecāku formu modifikācija un paplašināšana

Aptuveni 17. gadsimta vidū Renesanses deju pāri izauga par deju komplektiem, kas sastāv galvenokārt no četrām dejām: alemande, courante, saraband un žigū, ar izvēles dejām, piemēram, gavotte, buržuā un manietes, kuras dažreiz tika ievietotas pirms pēdējā kustība. Variantu formas - šamāns (kurā harmonija vai basa tēma tiek nepārtraukti atkārtota), passacaglia (kurā tēma tiek atkārtota, bet ne vienmēr tas ir bass), kā arī zemes bass un variācijas pazīstamām melodijām - turpināja būt populāra. Brīvās formas turpinājās arī viņu renesanses priekšteču modeļos, vienlaikus pieaugot dimensijai un izgudrojumam. Tokatāta, prelūdija un fantāzija tika izvērsta daudznozaru formās, izmantojot trīs instrumentālo pamattekstu tekstūras - imitējošu kontrapunktu, horda homofoniju un virtuozu fragmentu darbu - kombinācijā, pārmaiņus un kontrastu. Renesanses fugal formas, galvenokārt kanzona un ricercar, pakāpeniski pārtapa vēlīnā baroka fugā, un cantus firmus kompozīcijas turpināja uzplaukt to liturģiskās funkcijas dēļ.

Sonāte un koncerts

Galvenās jaunās instrumentālās mūzikas kategorijas baroka laikā bija sonāte un koncerts. Sākotnēji to piemērojot instrumentālajiem ansambļu skaņdarbiem, kas iegūti no kanzonas, termins sonāte kļuva par apzīmējumu formai, kurai jāvalda instrumentālajā mūzikā no 18. gadsimta vidus līdz 20. gadsimtam. Tastatūras manifestācijā tā bija bināra (divu daļu) struktūra, līdzīga deju svītas kustībai. Mazam ansamblim tas pārtapa neatkarīgu kustību sērijā (parasti lēni, ātri, lēni un ātri), ko sauc par sonata da chiesa (“baznīcas sonata”) vai deju komplektu, ko sauc par sonata da camera (“kameras sonata”).). Īpaši ievērojama bija trio sonāte divām vijolēm (vai flautām vai obojām) un čellam ar continuo. Galu galā līdzīgas formas tika pieņemtas orķestrim (sinfonija vai koncerts), orķestrim ar nelielu piedāvāto instrumentu grupu (concerto grosso) vai solo instrumentam ar orķestri (solo koncerts). Koncerta pamatprincips bija instrumentālo grupu un muzikālo faktūru pretstatījums.

Visa perioda laikā klaviatūras mūzika uzplauka, it īpaši Jana Pieterszona Svelinka Nīderlandē, Johanna Pachelbela un Johanna Frobergera Vācijā, Girolamo Frescobaldi Itālijā un Domenico Scarlatti Spānijā rokās; Francijā galvenie eksponenti bija Rameau un Fransuā Kuperins.

Instrumentālā ansambļa mūzikā, gan kamerā, gan orķestrī, dominēja itāļi, galvenokārt no Boloņas, Boloņas skolas, kas producēja tādus komponistus kā Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi un Džuzepe Tartini. Purcell Anglijā un Couperin un Jean-Marie Leclair Francijā pārstāv daudzos citu tautu komponistus, kurus ietekmēja itāļu instrumentālās ansambļu mūzikas modeļi.